Las 75 mejores películas de terror de la historia del cine

El juego del terror puede ser duro. Larry Cohen es, sin lugar a dudas, uno de los guionistas y directores estadounidenses más inventivos e idiosincrásicos de la década de los setenta. Su extraordinaria obra abarca el comentario social de bajo presupuesto, la blaxploitation de bajo coste y un puñado de las películas de terror más comprometidas políticamente. Sin embargo, aquí estamos, 47 años más tarde, y se las arregla para colar una película en nuestro Top 100.Es, sin duda, una de las películas más oscuras, agudas y extrañas de esta lista, una historia de asesinatos en serie, manías religiosas y abducciones alienígenas rodada en algunas de las calles menos saludables del Nueva York de mediados de los 70. Cohen merece ser mencionado junto a Carpenter y Craven en el canon del terror, y puede que ésta sea su obra maestra.

Las películas de terror son mejores cuando el miedo surge de la propia condición humana. Es lo que hace de Get Out, de Jordan Peele, una de las salidas cinematográficas más esenciales de los últimos tiempos. Protagonizada por el actor británico Daniel Kaluuya (sí, el chico de Skins) en el papel de Chris, un fotógrafo que acompaña a su novia blanca (Williams) a pasar un fin de semana con sus padres que se torna amargo, el terror de la película proviene del espejo que sostiene ante la continua amenaza de racismo de la sociedad.

Utilizando el tropo de terror de los suburbios aislados, Peele subvierte las expectativas, abriendo un nuevo nicho en el género que es a partes iguales terror, comedia y comentario social.

Disponible en Prime Video.

No hay nada malo en una película de terror desordenada: miembros que vuelan, monstruos de cartón, actuaciones terribles. Pero hay algo especialmente placentero -e inquietante- en una película de terror en la que cada plano, cada línea, cada ritmo musical está minuciosamente compuesto para asustarte. It Follows es un buen ejemplo: en cada segundo de esta historia escasa y precisa de acosadores sobrenaturales en los suburbios, sabes que el guionista y director David Robert Mitchell tiene ambas manos en el volante. Sólo que nunca estás seguro de hacia dónde te lleva.

Disponible en Prime Video.

Michael Bay no aparece en demasiadas listas de "grandes películas", así que es justo reconocer al Don de la Destrucción el mérito de haber contribuido a crear este clásico como productor. Un lugar tranquilo sigue los intentos de una familia por sobrevivir en un mundo postapocalíptico patrullado por una especie alienígena que caza mediante el sonido, como una especie de delfín terrestre satánico. En muchos sentidos, es la antítesis de una película de Michael Bay: en lugar de ruido, hay silencio; en lugar de acción desenfrenada, hay quietud. Esto hace que la experiencia sea aún más aterradora. El actor convertido en director novel John Krasinski muestra un dominio casi hitchcockiano de la tensión, ya que el más mínimo crujido o derrame puede hacer que lluevan bestias infernales desde el campo circundante. Emily Blunt, por su parte, roba el espectáculo delante de la cámara: la escena del parto, en particular, no te abandonará nunca.

Disponible en Netflix.

El director de Hereditary, Ari Aster, describió una vez Midsommar como "El mago de Oz para pervertidos", pero podría llamarse también "El hombre de mimbre con psilocibina". Sin embargo, a pesar de todo su horror, Midsommar tiene mucho más en mente que cráneos pulverizados y torsos desollados (aunque eso también existe). También es una historia sorprendentemente divertida de la fea arrogancia americana, una historia de ruptura feminista extrañamente afirmativa y una obra de reflexión serpenteante sobre la colisión de la cultura moderna y las tradiciones antiguas, con Florence Pugh ofreciendo una actuación que define su carrera impregnada de dolor, confusión, desamor, rabia y esperanza.

En todo momento, el horror se asoma a plena luz del día, asomando su cabeza no para sacudir al público, sino para empujar el desquiciado cuento de hadas hacia su ardiente conclusión.

Disponible en Prime Video.

La Hammer Film Productions, un santuario para los aficionados al terror durante la insulsa época de Vincent Prince de finales de los 50 y los 60, inyectó al cansado género un colorido sangriento, una violencia impactante y el dúo de actores Christopher Lee y Peter Cushing, extraordinariamente comprometidos. Si La maldición de Frankenstein, de 1957, abrió el ataúd, ésta -un éxito mundial de gran influencia- clavó la estaca en casa. Es impresionante que Lee consiguiera salir de la sombra del inmortal Bela Lugosi, creando un Conde viril, sexy y despiadado. Pero el verdadero impacto de Drácula se percibe mejor en retrospectiva: ¿ha habido otra adaptación de Bram Stoker que haya sido tan cautivadora? Varios directores lo han intentado; ninguno ha sobrevivido a la noche.

Disponible en Filmin.

Hace trescientos años, tres brujas fueron sentenciadas a muerte en Salem (Massachusetts), pero un niño las convirtió en gatos negros. En pleno Halloween, las brujas han vuelto accidentalmente gracias a Max, que estaba explorando las ruinas de su vieja casa. Su objetivo es hacer realidad su plan de conseguir la vida inmortal, pero si no recitan el conjuro antes del amanecer morirán de extrema vejez.

Disney Plus ha estrenado 'El retorno de las brujas'.

La floja adaptación de Bernard Rose de la obra de Clive Barker "The Forbidden" no ha hecho más que crecer con el tiempo. Esto es muy apropiado para una historia sombría centrada en leyendas urbanas susurradas, que sigue a la escéptica académica mientras explora los barrios bajos de Chicago para estudiar el mito de un fantasma vengativo con manos de gancho (Tony Todd, mirando con la boca llena de abejas). Con una inquietante partitura de Philip Glass, Candyman es una película extrañamente premonitoria que se ha hecho más poderosa con el tiempo, logrando un hábil equilibrio entre los sustos y los temas de la gentrificación, los privilegios de los blancos y la violencia contra la comunidad negra.

El hecho de que Nia DaCosta haya tenido que luchar con el mismo equilibrio en una reciente renovación no es tanto una crítica a la película producida por Jordan Peele como un testimonio de la visión barroca y espeluznante de Rose. Al igual que el fantasma lujurioso que se encuentra en su corazón, el legado de la película se vuelve más poderoso a medida que pasan los años.

Son muchos los que consideran que la conclusión de Romero a su trilogía original de Los Muertos Vivientes es una especie de bajón, ni tan innovadora como Noche ni tan satírica y entretenida como Amanecer. Y es cierto que las ambiciones iniciales de Romero para el proyecto -un ataque total a la desigualdad reaganiana, con los zombis como una nueva subclase marginada- se vieron obstaculizadas por cuestiones presupuestarias, aunque muchas de esas ideas se plasmaron en la tardía continuación. Pero El día de los muertos sigue siendo una película asombrosa, un implacable ataque a los sentidos alimentado por una sensación de desesperación y nihilismo desenfrenado sin precedentes. A estas alturas, es difícil saber a quién apoyamos realmente, si a los odiosos y pendencieros soldados "héroes" o a sus cautivos zombis sedientos de sangre, personificados por el "zombi pensante", el extrañamente adorable Bub.

Disponible en Prime Video.

Este brillante e inquietante debut de Rose Glass se adentra en una monótona ciudad costera inglesa con una feroz carga de manía religiosa, juegos de poder psicológico y algún que otro momento de pesadilla. Morfydd Clark está asombrosa en el papel de la profundamente religiosa Maud, una enfermera interna cuyo primer encargo privado la lleva a la casa de la ex bailarina de Jennifer Ehle, enferma terminal y de aspecto espinoso. El consiguiente baile entre la ascética problemática y la sensualista fumadora de cigarrillos tiene matices de las fricciones psicológicas de Persona, una importante influencia en Saint Maud, y va cuesta abajo rápidamente a partir de ahí. Ehle está genial y, en un mundo justo, Clark estaría ganando premios por su notable actuación física. El resultado es el mejor terror británico desde Under the Skin.

Disponible en Prime Video.

Desorientadora descripción de los estragos psicológicos del divorcio -con una pizca de horror corporal cronenbergiano-, la película del director polaco Andrzej Zulawski, de una intensidad desconcertante, parece sufrir algún tipo de posesión demoníaca. La cámara gira en torno a Mark (Neill) y Anna (Adjani), la pareja que se desintegra en el centro de la película, y transmite su locura compartida capturándolos en primeros planos cada vez más ajustados. Adjani, en particular, perturba legítimamente como esposa en su punto de ruptura, chillando y llorando como Shelley Duvall en El resplandor canalizando a Diamanda Galas. En una notable escena en una estación de metro, Adjani se lanza a un ballet convulsivo antes de caer al suelo en un charco de sangre y otros fluidos. Como la propia película, es valientemente desquiciada.

Re-Animator es una especie de mezcla alocada del cuento original de HP Lovecraft con la película Animal House de National Lampoon, el terror como dibujo animado, combinando el gore y las carcajadas en un vertiginoso desfile de imágenes grotescas. Jeffrey Combs interpreta al antihéroe perturbado Herbert West (incluso la forma en que dice su nombre es divertida), el licenciado en ciencias que tropieza con un suero de resurrección verde brillante y opta por probarlo con el prepotente Dean y su hija núbil. Re-Animator es un excelente ejemplo del boom del vídeo doméstico de terror en acción: es extraña, salvaje, imprevisible y a menudo muy tonta, el tipo de película de terror imaginativa pero hábilmente construida que parece haber pasado totalmente de moda.

Una entrada sorpresa en esta lista, el thriller psicodélico de Lyne después de Vietnam parece haber caído en desgracia en los últimos años, pero evidentemente ha conseguido quedarse en la mente de los expertos en terror. En una decisiva e inesperada ruptura con su entonces popular personaje de bobo, Robbins interpreta a Jacob, un desgastado veterano de guerra cuya mente comienza a fragmentarse una vez finalizado el conflicto. ¿Se está volviendo loco o hay fuerzas más oscuras en juego?

Diseñada con gran acierto por el director de Atracción fatal Lyne, La escalera de Jacob parece un trozo de experimentación post hippie retocado para la generación de la MTV: lo que le falta de profundidad y sutileza, lo compensa con creces en tácticas de choque y en una imprevisibilidad absurda, todo ello anclado en la mirada amplia y lastimosa de Robbins.

Después de haber abordado a Stephen King en dos ocasiones, Frank Darabont hizo su primera película de terror con esta sombría y punzante adaptación de la novela de King sobre una misteriosa niebla que inunda un pequeño pueblo, obligando a sus habitantes a refugiarse en el supermercado local. Por un lado, se trata de un puro retroceso, una película de monstruos con tentáculos de la vieja escuela que cobra vida en su brillante versión monocromática en DVD. Pero también es un drama ferozmente moderno, que desmenuza los hilos políticos y sociales que prácticamente mantuvieron unida a América bajo la administración Bush.

El dogma religioso, la división política y, finalmente y de forma devastadora, la intervención militar se someten al microscopio de la cámara de Darabont, lo que da como resultado la que quizá sea la película de terror más inteligente, convincente y desgarradora de lo que va de siglo.

Disponible en HBO Max.

La hábil adaptación de Leigh Whannell de la novela de ciencia ficción de HG Wells ofrece una agria declaración sobre los hombres tóxicos y sus maneras de iluminar con gas. Elisabeth Moss interpreta a Cecilia, una arquitecta traumatizada por su abusivo marido, el empresario tecnológico Griffin (Oliver Jackson-Cohen). Pronto, Griffin es declarado muerto por suicidio. Pero, ¿lo está? ¿Y por qué han empezado a suceder cosas en la noche? Whannell es respetuoso con la clásica película de monstruos de Universal con la que comparte su nombre, pero no se trata de un recauchutado reverencial. Tiene ideas propias, concretamente en torno al modo en que una relación abusiva puede convertir la vida en una prisión.

Disponible en Prime Video.

Para algunos, Tim Curry siempre encarnará a Pennywise, el payaso bailarín, una manifestación del propio miedo. Pero en esta adaptación de 2017 de la novela épica de Stephen King, replanteada en los años 80 en lugar de en los 50, es Bill Skarsgård el que asusta. Como Pennywise, los ojos de Skarsgård se mueven en dos direcciones diferentes, lo que hace que el personaje parezca realmente monstruoso y desquiciado. Cuando interactúa con los niños, babea, como si estuviera hambriento, hambriento de consumirlos a ellos y a su miedo. Las grandes interpretaciones del joven reparto también evitan cualquier torpeza de "actuación infantil", mientras que los temas de la amistad y la pérdida de la inocencia recuerdan a Stand By Me (otra adaptación de King) y a ET. Puede que sea sentimental a veces, pero cuando asusta -y realmente asusta- es un escalofriante recordatorio de que, no importa la edad, los payasos son aterradores.

Disponible en HBO Max.

Antes de enfrascarse en la interminable historia de los Hobbits, Peter Jackson era uno de los cineastas independientes más ferozmente inventivos del mundo, un digno sucesor de la escuela de gore de George Romero y Sam Raimi. Su primera película, Bad Taste, se rodó durante cuatro años en fines de semana con un grupo de entusiastas compañeros, pero para Braindead (también conocida como Dead Alive) Jackson ya tenía un presupuesto -de alguna manera- y un equipo profesional.

El resultado es una de las películas más implacables y alegremente desagradables jamás estrenadas, que incluye monos mutantes, zombis carnívoros, muerte por cortadora de césped, sacerdotes de kung-fu y chistes sobre "The Archers". También contiene la escena de la cena más extraña, en la que hay sangre a borbotones, carne disuelta, orejas humanas y cuencos de arroz con leche.

Más que ninguna otra película de Cronenberg, pone a prueba los límites de lo que constituye una película de terror. Sí, tiene sangre, "herramientas para operar a mujeres mutantes" y un tono general de profunda inquietud, pero es ante todo un estudio de la psicosis doméstica en circunstancias únicas. También es una muestra de actuación sin parangón: gracias a la tecnología de cámaras controladas por ordenador, Jeremy Irons pudo interpretar a los dos personajes principales, los ginecólogos gemelos Elliot y Beverly Mantle.

Lo sorprendente es la claridad con la que los distingue: Elliot, el acerado tiburón "masculino"; Beverly, la pasiva cuidadora "femenina". Al igual que en La mosca, el interés de Cronenberg por las tenues conexiones entre el cuerpo y la mente se combina con un retrato inesperadamente sensible del apego romántico, lo que hace que el inevitable colapso psicológico de los hermanos sea aún más perturbador.

Disponible en Prime Video.

Cinco años antes de Freaks, Tod Browning dirigió otra retorcida historia de gente de circo que se enamora y se desenamora, y se hace cosas horribles. En este caso, son los monstruos externos los que también son retorcidos por dentro (incluso podría decirse que Freaks funciona como una apología de esta película), ya que un estrangulador con dos pulgares se hace pasar por un lanzador de cuchillos sin brazos para seducir a una hermosa chica que tiene un miedo morboso a las manos de los hombres. Esa sinopsis debería ofrecer una idea del tipo de gumbo freudiano hirviente que sirve Browning. Se trata de una película vertiginosa, subversiva y maravillosamente observable.

Esta película indie estadounidense de bajo presupuesto fue un fracaso tan grande que ni siquiera se estrenó en el Reino Unido. Por ello, quienes hicieron caso al boca a boca y la adquirieron en DVD tuvieron la sensación de estar haciendo un auténtico descubrimiento: es una película tan sombría, inquietante y perturbadora que nunca podría ser acogida por el público general. Peter Mullan está soberbio en el papel de Gordon, el jefe de una empresa de retirada de amianto encargada de limpiar un psiquiátrico abandonado. La película, una de las primeras rodadas en vídeo digital de alta definición, tiene un brillo sobrenatural, real, pero no real, que contribuye enormemente a su atmósfera desgarradora de fatalidad inminente.